L’etichetta discografica della London Symphony Orchestra, LSO Live, è stata premiata come Etichetta dell’Anno agli International Classical Music Awards. Il nuovo Direttore Principale della LSO, Antonio Pappano, ha rilasciato la seguente intervista a Kai Luehrs-Kaiser, membro della giuria ICMA (Das Orchester).
Maestro Pappano, per la prima volta nella sua carriera si ritrova senza un teatro d’opera. Le piace?
Devo ammettere che è una sensazione strana. Sono abituato ad andare a teatro ogni giorno e a lavorarci, in senso molto fisico. Il mio ritmo è completamente diverso ora. Senza un teatro d’opera, e con un’orchestra sinfonica al suo posto, tutto è molto più frenetico. Devo dirigere opere diverse in continuazione. Dato che mi esercito molto e sono abituato a una preparazione intensa, mi sento come se fossi ancora all’università. D’altra parte, il mio rapporto con la Royal Opera House è ancora molto buono. Siamo nel bel mezzo di un nuovo Ring con Barrie Kosky come regista. E con la London Symphony Orchestra dirigo opere in forma di concerto.
L’idea di un teatro d’opera stabile è morta per lei?
Ora ho 65 anni. Non sono sicuro che avrei il desiderio e l’energia per intraprendere una nuova avventura. Beh, probabilmente il desiderio ce l’ho. Dopotutto, l’ho fatto per 35 anni. La domanda non è del tutto inaspettata. Tutto quello che posso dire è che sono e sarò sempre, prima di tutto, un uomo di teatro.
Con la London Symphony Orchestra ha a disposizione una delle orchestre più versatili e tecnicamente più avanzate al mondo. La migliore forse. C’è qualcosa che dovete dimostrare – o volete dimostrare – con questa orchestra?
C’è sempre. La LSO ha una certa spinta interiore che è il suo biglietto da visita, per così dire. Ciononostante, devo trovare il suono giusto per l’orchestra o adattarlo a mio piacimento. Devo anche assicurarmi che abbiamo la giusta forza persuasiva. Non una piccola responsabilità! In Gran Bretagna, tutte le orchestre hanno la versatilità che ha menzionato. Questo è dovuto al sistema. Abbiamo sviluppato una certa forza in queste orchestre, essenziale per la loro sopravvivenza. La LSO incarna questo nella sua forma più elevata. Tuttavia la versatilità può anche essere limitante. Ammetto di non aver mai fatto nulla senza prove scrupolose e approfondite. Ora devo dimostrare di essere adatto a un sistema che prevede meno prove.
Tra i direttori principali della London Symphony Orchestra figurano nomi illustri come Arthur Nikisch, Thomas Beecham, Pierre Monteux e Claudio Abbado. Quale dei suoi predecessori ammira di più?
Oh, ce n’erano altri. Colin Davis è stato uno dei direttori più influenti per 12 anni. Claudio Abbado è ricordato qui come un grandissimo perfezionista. I musicisti elogiano anche Valery Gergiev, che – nonostante tutto il caos durante le prove – deve aver diretto alcuni dei concerti più emozionanti. Tra l’altro, persino Edward Elgar è stato un tempo direttore principale di questa orchestra. Ma il più importante per me è il mio immediato predecessore, Simon Rattle. Ha allargato il repertorio.
Sa cosa disse Christoph von Dohnányi alla Cleveland Orchestra: «Quando dirigo un buon concerto, George Szell riceve buone recensioni; quando ne dirigo uno brutto, sono io a ricevere cattive recensioni». Quale dei suoi predecessori teme di più?
Non ci posso nemmeno pensare.
Perché?
Hai sempre più paura di te stesso. Perché è tutta colpa mia, se così posso dire. Non puoi usare nessun predecessore come scusa, e non puoi permettere a nessun altro di confonderti.
Ogni orchestra ha delle lacune nel suo repertorio. Anche la London Symphony Orchestra?
Certamente. La London Symphony Orchestra ha indubbiamente eseguito tutte le sinfonie di Ralph Vaughan Williams a un certo punto della sua storia. Stiamo solo ora eseguendo un ciclo. Per anni, era più probabile che nel programma fosse inclusa una sinfonia di Mahler o di Šostakovič piuttosto che la Nona di Vaughan Williams. Non vengono eseguite le sinfonie di Bernstein da secoli. E Rossini sarebbe importante. Perché allena la punta delle dita, e questo giova alla musica classica così come al senso dell’esprit.
Si dice che la LSO abbia realizzato il maggior numero di dischi di qualsiasi altra orchestra, molti dei quali durante l’era di André Previn. Vale ancora la pena farlo oggi?
Questa è una domanda che dovrete porre al management. Da parte mia, credo che dobbiamo farlo. Documenta i progressi dell’orchestra. Se si scelgono bene le opere, le registrazioni sono ancora oggi un’attività significativa e utile.
Di quali delle sue registrazioni è orgoglioso?
Tutte le mie registrazioni sono fantastiche. (Ride forte.) Beh, in realtà citerei le registrazioni d’opera che ho fatto con la London Symphony Orchestra in passato: La Rondine, ma anche Werther, Trovatore e parti del Trittico. Soprattutto con Angela Gheorghiu nel ruolo principale. La mia preferita è Il tabarro con Maria Guleghina e Neil Shicoff. È stato fantastico. Mi piacciono anche le registrazioni in cui sono seduto al pianoforte, soprattutto con Ian Bostridge. Sono importanti per me.
I veri direttori d’opera sono o più severi degli altri, come Toscanini, o più spontanei, come Thielemann. Come si fa a capire di essere un uomo d’opera?
Dalla pratica. Devo dire che rifletto molto sui pezzi. Non in senso intellettuale, ma nel modo in cui ho imparato a farlo durante i miei sei anni con Daniel Barenboim. È un mix di testa e cuore che conta. Il fatto che io pensi in termini di suono ha a che fare anche con l’opera. Perché ha a che fare con l’equilibrio, e questa è una qualità molto importante nell’opera, se si vogliono ascoltare i cantanti. Con una grande orchestra, questo è ovviamente molto più difficile da ottenere.
Potrebbe spiegare brevemente come si garantisce la trasparenza in un’orchestra?
Innanzitutto, dipende dal numero di musicisti. Non è un’arte suonare trasparenti con un’orchestra da camera. È decisamente ridicolo. La risposta sarebbe: la trasparenza si ottiene articolando in modo diverso i vari registri e le diverse voci. Se non si presta attenzione a questo, si ottiene solo una crema.
E se l’accompagnamento orchestrale suonasse del tutto insignificante, come nel Belcanto, per esempio?
Non esiste un accompagnamento insignificante. L’accompagnamento, per quanto banale possa sembrare, è l’acqua sotto la piccola barca che trasporta. Anche questo l’ho imparato nell’opera. L’accompagnamento mantiene la barca in movimento.
La musica oggi è un business, che offre sicurezza e allo stesso tempo pone dei limiti sotto forma di routine. Cosa ne pensa della routine?
La routine, semplicemente, è la fine dello spettacolo. Il problema oggi è che il livello tecnico delle orchestre è così alto che questo viene usato come scusa per negarti un numero sufficiente di prove. Poi subentra la routine. E allora sei intrappolato.
Quindi è importante provare “come si deve”.
Esatto. E la difficoltà maggiore per i giovani direttori d’orchestra oggi è imparare a provare correttamente. Siamo onesti: non tutti i direttori d’orchestra sono bravi a provare. Ma il modo migliore per “perdere” un’orchestra, per sperperare la sua fiducia, è ancora attraverso uno stile di prova scadente.
Ha una buona tecnica di direzione. Alcuni grandi direttori, come Furtwängler, ma anche Thielemann, non l’avevano o non l’hanno. Cosa significa tecnica di direzione?
Ho una buona tecnica di direzione?! Nessuno me l’ha mai detto prima. Grazie! Lo dico sul serio. Non ho una buona tecnica. All’inizio di ogni prova, devo riscoprire i miei movimenti. Non l’ho imparato. Per me, non esiste una tecnica di direzione classica. Ecco perché le prove sono così importanti. Il mio metodo è mettermi nei panni di ogni musicista e chiedermi cosa si aspetta da me. Ora ammetto persino la mia mancanza di tecnica. Non uso nemmeno più la bacchetta.
Chi ha avuto la migliore tecnica di direzione degli ultimi 50 anni?
Chiunque dei miei colleghi darebbe la stessa risposta a questa domanda: Lorin Maazel. Una volta gliel’ho persino chiesto. Maazel mi ha detto che gli ci sono voluti 17 anni per sviluppare questa tecnica. Consisteva nel rilasciare ogni tensione nel suo corpo. E ci è riuscito. Si è rilassato così tanto che nessuno dei musicisti si è irrigidito. Quando dirigeva, né il suo respiro né il suo arco erano disturbati. Era incredibilmente rilassato. Naturalmente, Carlos Kleiber aveva la tecnica più incredibile. Nessun altro direttore d’orchestra ha creato una bolla musicale come lui.
È un direttore estremamente affabile, forse il più amichevole di tutti. Com’è possibile?
La spiegazione è piuttosto personale: mi odio quando sono di cattivo umore. Il talento è preparazione, l’autorità è carisma. Il rispetto dei musicisti si guadagna con la preparazione. Non c’è bisogno di gridare a gran voce per tutto questo.
Cosa succede quando perde la calma?
Beh, allora arriva un’eruzione. La senti arrivare, proprio come gli scoppi d’ira di Toscanini erano sempre prevedibili. Nella mia professione, devi ripetere le cose molto spesso. Ripeti i brani, ripeti i consigli e le istruzioni. Ripeti te stesso. Questo a volte mi porta a essere impaziente. E poi, dopotutto, è tutta una questione di emozioni. Come faccio a controllarmi? Cerco di essere collegiale, tutto qui. Ma ho ancora bisogno di una visione. Più è forte, migliore sarà l’orchestra.
Antonio Pappano, nato nel 1959 a Epping (Essex), figlio di un insegnante di canto italiano, è cresciuto negli Stati Uniti. A Bayreuth è stato assistente di Daniel Barenboim. Nel 1992 è diventato direttore musicale del Teatro dell’Opera La Monnaie di Bruxelles, poi della Royal Opera House Covent Garden dal 2002 al 2024. Dalla scorsa stagione è il successore di Simon Rattle alla London Symphony Orchestra.
